Sulla scia di un’attenzione al tragico che ormai da tempo accompagna i miei studi prediletti (mi permetto qui di segnalare un mio recente lavoro di parziale sintesi: La tragedia nel teatro del Novecento, Laterza, Roma-Bari 2009), propongo in questo numero di «Comunicazioni sociali», da me curato, una breve raccolta di saggi sul tema redatti da alcuni giovani studiosi e collaboratori della sezione Teatro del Dipartimento di Scienze della Comunicazione e dello Spettacolo dell’Università Cattolica di Milano. L’analisi dell’opera di Walter Benjamin Origine del dramma barocco tedesco (Ursprung des deutschen Trauerspiels) di Tancredi Gusman offre l’occasione di tornare sul problema di fondo della relazione fra tragico e tragedia (...).

L’essai propose une hypothèse pour l’interprétation de l’Origine du drame baroque allemand de Walter Benjamin. L’histoire et l’analyse des formes dramatiques, contenues ici, sont considérées comme le moyen pour l’affichage d’une philosophie de l’histoire théologique mais pas téléologique. L’essai se concentre premièrement sur l’analyse de la notion d’origine (Ursprung), et explique ensuite les grandes lignes de l’oeuvre de Benjamin: la tragédie grecque est considérée comme la rédemption limitée et la prophétie d’un nouvel ordre, le Trauerspiel comme expression d’un regard et mélancolie qui émane de la sécularisation de la perspective religieuse médiévale. Dans le cadre de l’Exposition, une attention particulière doit être consacrée à trois moments: l’influence de Florens Christian Rang, avec une attention particulière à la signification des concepts d’agon et prophétie; l’interprétation de la fin de la tragédie et le personnage de Socrate; la présentation de la forme d’expression allégorique et de sa dialectique. L’essai tente de montrer, à travers ces trois étapes, l’horizon à partir duquel Benjamin pense l’histoire, la complexe articulation historico-critique de la tragédie et Trauerspiel dans l’oeuvre, et, enfin, l’importance historique et politique de l’interprétation offerte par Benjamin. SUMMARY The essay provides a hypothesis for the interpretation of the Origin of the German Mourning Play, written by Walter Benjamin. The history and analysis of the dramatic forms, contained herein, are seen as a medium to enunciate a philosophy of History in a theological rather than teleological terms. The essay focuses on the analysis of the concept of origin (Ursprung) and goes on to explain the main themes of Benjamin’s work: the Greek tragedy is viewed as a limited redemption and the prophecy of a new order, Trauerspiel, as an expression of a melancholic outlook that originates from the secularization of the medieval religious perspective. Special attention is devoted to three moments: the influence of Florens Christian Rang, with particular regard to the meaning of the concepts of agon and prophecy; the interpretation of the end of the tragedy and the role of Socrates; the presentation of the allegorical form of expression and its dialectic. The essay tries to show, through these three stages, the point of reference from which Benjamin conceived the story, the complex historical- critical formulation of tragedy and Trauerspiel within the work, and finally, the historical and political meaning of the interpretation offered by Benjamin.

Toute la nouvelle version tragique du siècle passé se dresse sur un double et indissociable contexte: celui des images et du texte qui ont été accumulés au fil du temps pour former le tissu de notre tradition et ce qui soutient et nourrit cette surface, c’est à dire la puissance créative inhérente à la poursuite du processus de construction sémantique des mondes figés dans les formes de la pensée mythique. C’est cette double et unique perspective qui anime cette lecture de Night Journey, le chef d’oeuvre de 1947 de la fondatrice de la danse moderne, Martha Graham. Grâce à une analyse de la chorégraphie on va tenter de montrer comment ce travail ne peut être réduit à une simple transposition choréiques de la tragédie d’OEdipe, mais il doit être interprété en termes de forme et expérience originales du contenu tragique du mythe lui-même. Plus précisément, nous tenterons de faire émerger comme Night Journey puisse représenter un exemple paradigmatique d’affichage et d’actualisation d’une structure particulière: un rythme en spirales de forces opposées. SUMMARY Any tragic rewriting of the past century stands on a dual and inseparable background: that of images and texts that have been accumulated over time to weave our tradition and what sustains and nourishes this surface, i.e. the creative power inherent in the continued process of building semantic worlds congealed in the forms of mythic thought. It is from this dual and unique perspective that drives this reading of Night Journey, the 1947 masterpiece of the founder of modern dance, Martha Graham. Through an analysis of the choreography we will try to show how this work cannot be reduced to a simple choreic transposition of the tragedy of Oedipus, but it must be interpreted in terms of an original form and experience of the tragic content in the myth itself. More specifically, we will attempt to underline how the Night Journey may represent a paradigmatic example of exhibition and actualization of a particular structure: a spiral rhythm of opposing forces.

L’essai retrace les figures mythiques d’Antigone et Électre à travers la réécriture de Jean Anouilh avant (les fragments de Oreste et Antigone), et celle de Marguerite Yourcenar après (Electre ou la chute des masques et le feu), en essayant de mettre en en évidence l’évolution / transformation des caractères dans les actes dramatiques. Les neuf parts qui composent l’essai donnent même un cadre sur les changements qui permettent de caractériser les autres personnages dans les tragédies de référence, de manière à construire un cadre global sur la façon de déplacer la perspective d’une enquête en relation soit aux deux auteurs, soit au XXe siècle, considéré comme un moment clé de la redécouverte et de la réutilisation du mythe. En particulier, les moyens de montrer l’évolution de ces femmes des mythes de la polis grecque à l’époque contemporaine: l’archétype d’un principe devient un personnage de tous les jours, en prenant sur soi ses névroses, son anxiété, son insécurité et ses symboles. Antigone et Électre suivent un code moral précis qui leur impose une obligation àaccomplir, et cette tâche implique l’acceptation de l’isolement, de la misère matérielle et des tourments profonds résultants. Le mythe d’Electre et celui d’Antigone, malgré les différents modalités, affrontent une question de grande importance dans la société contemporaine, c’est-à-dire la question de la relation entre frère et soeur, avec, respectivement, les thèmes de la vengeance et de la loi. Electre et Antigone, figures exemplaires dans l’antiquité, la réécriture considéré comme un symbole d’identité pour passer une métaphore de l’altérité féminine fractionnements indépendants féminins dans ces unités qui ont été des repères, jusqu’à ce que complètement fragmentée. SUMMARY The essay traces the mythical figures of Antigone and Electra through the rewritings of Jean Anouilh before (the fragments of Oreste and Antigone), and then those of Marguerite Yourcenar (Elettra or the Fall of Masks and Fire), trying to highlight the evolution / transformation of the characters within the dramatic acts. The nine parts that make up the essay also provide a framework on the changes characterizing the other characters in the tragedies of reference, so as to build a comprehensive framework on the change of investigation perspective in relation to both authors and the twentieth century, regarded as a key moment for the rediscovery and reuse of myth. In particular, it intends to show the evolution of these female myths from the Greek polis to the contemporary period: the archetype of a principle becomes the everyday person, assuming its neurosis, anxiety, insecurity and symbols. Antigone and Electra are following a definite moral code imposing on them a duty to perform, and this task implies the acceptance of isolation, material misery and deep torment derived from them. The myths of Electra and Antigone, despite the different modalities, face an issue of great importance in contemporary society, namely the issue of the relationship between brother and sister, together, respectively, to the themes of revenge and law. Electra and Antigone, exemplary figures in antiquity, in the considered rewritings go from a symbol of identity to a metaphor for female otherness: the female self splits into those units that were landmarks, until completely fragmented.

Les Troyennes d’Euripide est une oeuvre très présente sur la scène européenne du XXe et du début du vingt et unième siècle, pour la grande ‘modernité’ que les dramaturges, les réalisateurs et les acteurs reconnaissent en ce classique. Parmi les autres, on est fascinés par les thèmes de la guerre comme cruauté inutile (au centre du remake de Jean-Paul Sartre); de la reconnaissance de l’étranger en tant que vecteur de culture et dignité; de la force des femmes, qui survit à un exil qui est d’abord arrachement de ses propres racines; de l’Histoire vue du côté des perdants; du choc culturel nié, au contraire, recomposé sous le signe de la compassion. Dans cet essai, on compare certaines mise en scène, choisies parmi celles qui, sous des angles différents, présentent ‘l’intrusion de la modernité’ dans le drame antique, offrant ainsi un aperçu significatif de la scène italienne depuis la guerre, à l’aube du vingt et unième siècle et de sa réponse, malgré certaines claires limites et retards culturels, à des thèmes d’une brûlante actualité tels que ceux véhiculés par les Troyennes dès 415 avant JC. SUMMARY The Trojan Women of Euripides is very often represented on the European scene of the twentieth and early twenty-first century, for its great ‘modernity’ that the playwrights, directors and actors recognize in this classical work. Among others, the audience is fascinated by the themes of war, seen as unnecessary cruelty (the core of Jean-Paul Sartre’s remake); by the recognition of the foreigner as a carrier of culture and dignity; of the feminine strength, surviving an exile which is above all being uprooted from their own roots; of History seen from the losers’ side; of a cultural clash denied, or even reassembled under the sign of compassion. In this discussion we compare some settings among those which, from different perspectives, show ‘the intrusion of contemporaneity’ in ancient drama, and together offer a significant insight into the Italian scene from the post-war period to the dawn of the twenty-first century and its response, despite some clear limitations and cultural delays, to perennial and topical issues such as those carried by the Trojan as early as 415 BC.